Interpretar la naturaleza en el metal / Identidad propia

2026-07-16 00:00:00

¿Desde pequeño se despertó en vos la vocación por la orfebrería? ¿Fue así o hubo otros disparadores?

Desde chico sentí atracción por el dibujo y por todo lo que implicara crear con las manos. Siempre me gustó observar las formas, los detalles y entender cómo estaba hecho aquello que llamaba mi atención. Con el tiempo, casi de casualidad, descubrí la orfebrería y encontré un oficio que reunía todo eso: El dibujo, el diseño, la técnica y el trabajo artesanal.

A medida que fuí aprendiendo entendí que una pieza no comienza cuando uno funde la plata para hacer la chapa, sino mucho antes: En la observación, en el estudio y en el dibujo. Esa búsqueda es la que sigue motivándome hoy y, después de tantos años, sigo sintiendo que cada obra representa un nuevo desafío y una oportunidad para aprender algo nuevo.

¿Tuviste maestros o referentes en tu trayectoria artística?

Sí, tuve la suerte de dar los primeros pasos en la orfebrería con un gran maestro como Horacio Bertero, quien no sólo me transmitió técnicas del oficio, sino también el respeto por el trabajo artesanal y por sobretodo la vocación y amor por el oficio.

Después vino un camino muy personal de práctica, estudio y observación. Siempre sentí la necesidad de seguir dibujando, investigando y analizando tanto la naturaleza como las obras de otros grandes colegas. Creo que la técnica se construye con constancia, pero el verdadero desafío es desarrollar una mirada propia que permita transformar una idea en una pieza con identidad.

En tu obra se destacan las flores. ¿Las elegís como forma de expresión excluyente?

Más que las flores, diría que mi principal fuente de inspiración es la naturaleza. Me interesa su armonía, el movimiento de sus formas y ese equilibrio que parece simple, pero que encierra una enorme complejidad. Intento trasladar esa sensación de vida y movimiento a cada obra, combinando superficies lisas y cinceladas, luces y sombras, buscando que toda pieza transmita una cierta fluidez.

Las flores aparecen con frecuencia porque expresan muy bien ese lenguaje, pero no son un límite. No busco copiar la naturaleza; busco interpretar su armonía en el metal.

¿Qué aporta a tu obra la actividad docente?

Enseñar me hizo crecer mucho como orfebre. Cuando uno tiene que explicar una técnica también tiene que entender por qué hace las cosas de determinada manera. Eso obliga a seguir estudiando y a no dejar de aprender.

Eso mismo intento transmitir a mis alumnos: Una buena pieza no depende solamente de la técnica. El dibujo, el diseño y la observación forman parte del proceso desde el primer momento. La técnica es la herramienta que permite materializar una idea, pero esa idea necesita tiempo de estudio y de búsqueda para encontrar una identidad propia.

Lo lindo de la docencia es la reciprocidad constante con los alumnos, lo simultáneo de todo tipo de técnicas... Te mantiene alerta y en un contínuo aprendizaje y crecimiento.

¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato?

Quiero seguir creciendo como orfebre y seguir aprendiendo. Últimamente también estoy dedicándole tiempo al dibujo y a la pintura, porque siento que me ayudan a desarrollar la creatividad y la manera de observar.

A futuro me gustaría unir todo ese aprendizaje con la orfebrería e ir incorporando también la escultura. Lo veo como parte de un mismo camino. Cada disciplina aporta una mirada distinta, pero todas nacen del mismo lugar: La necesidad de crear y de seguir aprendiendo.

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Copia única

2026-07-08 00:00:00

El Museo de la Cárcova inauguró esta exposición que explora el valor de la reproducción a través de un recorrido que reúne ejemplares de algunas de las colecciones de calcos escultóricos más importantes del país.

Tres ejes estructuran el relato curatorial. El primero, Figuritas repetidas, se centra en la tensión entre repetición y unicidad a partir de la exhibición de múltiples ejemplares de un mismo original. El segundo aborda los modelos de enseñanza de la educación artística mediante la reunión de las tipologías habitualmente utilizadas para el aprendizaje del dibujo: Relieves ornamentales, ejemplos arquitectónicos, fragmentos anatómicos, entre otros. Finalmente, el tercer eje pone el foco en las prácticas de consumo de calcos, sus modos de comercialización y la adquisición privada de reducciones de originales de la estatuaria clásica. Copias de obras maestras como la Venus de Milo o la Victoria de Samotracia fueron objetos que habitaron museos, escuelas y también hogares, y establecieron vínculos afectivos con sus propietarios.

En palabras de la curadora Milena Gallipoli: “Pequeñas Venus están en nuestras casas como souvenirs; imágenes del David se viralizan en forma de memes; el arte contemporáneo las toma como motivo de ironía y apropiación, y hasta se exhiben en este museo en forma de calcos escultóricos en yeso. Las copias podrán ser múltiples, pero sus historias son únicas”.

En esta exhibición se presenta por primera vez una selección de piezas de este tipo pertenecientes a distintas instituciones, como el Colegio Nacional de Buenos Aires, la Asociación Estímulo de Bellas Artes y la escuela Manuel Belgrano, entre otras.

La curaduría de la exhibición está a cargo de Milena Gallipoli, Doctora en Historia por la EIDAES-UNSAM, Magíster en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano e investigadora especializada en colecciones de copias escultóricas y gestión patrimonial. Actualmente dirige el Área de Investigación del Museo de la Cárcova (UNA). Es autora de La victoria de las copias (2025) y Las rutas del yeso (2025).

Acompaña la exhibición un programa de visitas guiadas y recorridos temáticos a cargo de la curadora e invitados especiales, jornadas y actividades para infancias, diseñados para enriquecer la experiencia de los visitantes.

Podrá visitarse hasta el 18 de octubre, en Av. España 1701 Ciudad de Buenos Aires, de martes a domingos de 10 a 17 horas (feriados cerrado), con entrada gratuita.

Programación completa en museodelacarcova.una.edu.ar

Lo bello y la ternura

2026-07-02 00:00:00

Crecer en el campo rodeada de paisajes mágicos y muy estimulada por sus abuelas en la infancia, transformaron a Patricia Posada Mac Niles en una eximia diseñadora de joyas.

¿Cómo se despertó en vos la vocación por el arte?

No hubo un momento. Siempre estuvo presente. Encontraba belleza en las cosas cotidianas. Crecer en una ciudad marcada por la arquitectura de Salamone, vivir en el campo en San Jacinto rodeada de paisajes mágicos, estimularon mi imaginación infantil.

La familia, y especialmente mis abuelas, fueron personas motivadoras, que hacían todo con arte y detalle. La abuela Mac Niles era estricta y culta; me llevaba a través de los libros y la música clásica a mundos maravillosos. La abuela Antonia, típica nonna, era una máquina de soñar y crear, que miraba la vida con ojos de niña y yo era su cómplice. Ambas fueron inspiradoras, especialmente Antonia. Mi primera follower.

Desde muy niña sentí la necesidad de crear con las manos. El arte era el lenguaje para expresar mi forma de mirar el mundo. Esa expresión encontró su lugar en la joyería, donde conviven la técnica, la paciencia y la búsqueda constante. Creo en lo bello y en la ternura, como una forma de rebelión cuando la vida se presenta muy ruda. Cada pieza es el resultado de ese recorrido y de esa elección.

El metal como materia de expresión, ¿tiene cualidades que percibiste tempranamente o las aprendiste de la mano de algún referente?

El metal me da la posibilidad de moldearlo sin violencia. Lo convenzo de transformarse en algo delicado. Me sigue maravillando que una humilde chapa de plata pueda convertirse en un tul ligero, en el ala de una libélula o en lo que yo sueñe.

Mi vínculo con el metal es intuitivo. Soy mayormente autodidacta. Hice algunos cursos, pero mi verdadero aprendizaje fue la prueba, el error y la curiosidad. Más que aprender a dominar el metal, aprendí a escucharlo. A comprender hasta dónde podía acompañar una idea sin perder su esencia. La técnica es una herramienta maravillosa, pero siempre al servicio de la emoción.

En tu obra se destacan los animales y las flores. ¿Los reconocés como tu principal fuente de inspiración?

No sólo me inspiran los animales y las flores. Me inspira la delicadeza que habita en toda la naturaleza. Aquello que pasa desapercibido y, sin embargo, sostiene la hermosura del mundo. Todo lo que hechizó a esa niña que fui: La vida rural, las lecturas, las hadas al estilo Peter Pan... Ese empacho de belleza natural que me rodeaba.

Por eso creo que incluso una joya PmacN en forma de tarántula puede inquietar, pero nunca resultar fea. Porque no tiene la fealdad de la maldad.

Según tus propias palabras, “siempre me han conmovido las transformaciones silenciosas" ¿Cuánto influye esta gran premisa a la hora de crear tu obra?

Si. Influye completamente ¿No crees que es inmensa y fascinante la transformación silenciosa de la oruga a crisálida? Mi obra nace de esas observaciones.

¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato?

Seguir diseñando piezas únicas para clientes privados. Hay varios proyectos en curso, algunos en un estadío avanzado como la creación de una cápsula. Me gusta que las ideas maduren en silencio así que prefiero hablar de ellas cuando sea el momento.

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Legado familiar

2026-06-25 00:00:00

Desde 1982 Dante Conti desarrolla el arte de la orfebrería en su ciudad natal y, muchas de sus piezas, realizadas para importantes personalidades mundiales.

¿Desde pequeño se despertó en vos la vocación por la orfebrería? ¿Fue así o hubo otros disparadores?

Desde niño me fascinaban las artes plásticas (soy hijo de un escultor y músico y nieto de un platero) y al momento de elegir una carrera en el colegio secundario, me inscribí en la Escuela Nacional de Educación Técnica Crisol de la ciudad de Rosario, de la cual egresé después de seis años de estudios doble turno, como Técnico Nacional Orfebre (1982).

¿Tuviste maestros o referentes en tu trayectoria artística?

Fuí formado técnica y conceptualmente por los grandes maestros y profesores de esa institución.

En tu obra se destacan los cuchillos y los mates. ¿Los elegís como forma de expresión excluyente?

Desde 1982 desarrollo el arte de la orfebrería y la joyería en mi ciudad y realizo obras de platería civil, criolla y religiosa, entre las cuales están los bastones de mando de la provincia de Santa Fe, de la Ciudad Rosario y otras ciudades y pueblos de mi provincia. Realicé trabajos para distintas personalidades que visitaron Rosario (El Rey Juan Carlos de España y el presidente del gobierno Italiano Carlo Ciampi) y también para distintos presidentes argerntinos desde 1983... Por encargo.

Mis piezas están en colecciones privadas de Argentina y algunos países de Europa y Oriente.

¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato?

Actualmente sigo desarrollando el oficio e impartiendo clases, formando a nuevos orfebres y cursando la Licenciatura en Bellas Artes en la Universidad Nacional de Rosario.

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Universo Platero: La plata como lenguaje de la experiencia

2026-06-08 00:00:00

El reconocido platero argentino David Saco presentará su libro el próximo 20 de junio y lo acompañará con la inauguración de la muestra “Universo Platero. Piezas con historia”.

En esta ocasión, presentará cinco piezas de su colección privada, resultado de décadas de trabajo, investigación técnica y búsqueda artística. Lejos de limitarse al valor material o decorativo, sus creaciones abordan temas universales como la amistad, el miedo, la dualidad entre el bien y el mal y la traición. Esta muestra nos invita a descubrir una faceta poco frecuente de la platería: Aquella en la que cada obra nace de una experiencia personal y se transforma en un relato construído en metal. La exposición propone además, acercar el público al autor, que estará contando el surgimiento de su libro donde habla de los procesos tradicionales de la platería, revelando las técnicas y conocimientos que dan forma a cada obra. De este modo, el oficio se presenta no sólo como una disciplina artesanal, sino también como una poderosa herramienta de expresión artística. Con una trayectoria reconocida en exposiciones y concursos nacionales e internacionales, Saco comparte en esta muestra una mirada madura sobre el arte en plata, donde la técnica y la emoción encuentran un mismo lenguaje. Una propuesta destinada a artesanos, estudiantes, coleccionistas y amantes del arte, que invita a contemplar la platería desde una perspectiva profunda: La de las piezas que no sólo se observan, sino que también cuentan historias. Será en el Museo de Arte Popular José Hernández, Avenida Del Libertador 2373 de la ciudad de Buenos Aires, las 17 horas.

Exposición de maquetas navales y pinturas marinas

2026-06-04 00:00:00

En el contexto de la Semana Browniana, la Asociación Cultural Browniana Almirante Brown Fundadora, invita a su inauguración el próximo sábado 6 de junio.

Participarán Modelistas Navales del Sur y pintores locales y la coordinación estará a cargo del profesor Héctor Martinoia. La curadora de la muestra es Mónica Luján Collet. La inauguración será a las 17 horas en la Casa Borges, Plaza Brown 301, Adrogué, provincia de Buenos Aires. La entrada será libre y gratuita.

Conocer el oficio

2026-05-27 00:00:00

Entrevista auspiciada por:

Apasionado por satisfacer a sus clientes, Carlos Ortega desarrolla las piezas a pedido con dedicada precisión y empeño.

¿Desde pequeño se despertó en vos la vocación por las artesanías? ¿Fue así o hubo otros disparadores?

Si, de pequeño admiraba las artesanias y me preguntaba de qué forma se llegaban a realizar las piezas. Con el tiempo me encontré con personas que me permitieron adentrarme en ese mundo, conocer el oficio.

¿Tuviste maestros o referentes en tu trayectoria artística?

Sí. Tuve personas que me han ayudado en un primer momento, pero mi trabajo es más audidacta. Mi trabajo se basa mucho en la prueba y el error, hasta poder lograr que una pieza quede como me gusta.

En tu obra se destacan las rastras de alpaca. ¿Las elegís como forma de expresión excluyente?
Sí, podría decirse que en mi trabajo se destacan las rastras de alpaca. Es la pieza que más disfruto hacer y el resultado intento que sea cada vez mejor. Superarme cada día. Igualmente, además realizo otras piezas como bombillas, yuntas, hebillas, llaveros, con el mismo empeño. Así mismo, mi trabajo no se centra sólo en la alpaca, sino también en piezas de plata.

¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato?

Mi objetivo es que más personas conozcan mi trabajo. Cuando alguien llega a mí y me cuenta su idea, me pone en el desafío de poder superarme en cada trabajo, para que la persona quede satisfecha con la pieza.

*METALES JULIO provee los metales para las piezas del artesano Carlos Ortega.

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Expo Mix Arte y Deco

2026-05-20 00:00:00

La 6° Edición de Expo Mix Arte y Deco se realizará los días 12, 13 y 14 de junio, de 12 a 19 horas, con entrada libre y gratuita.

Esta nueva edición contará con la presencia de destacados artistas plásticos con su obra: El ilustrador Néstor Taylor, el especialista en fileteado porteño Sergio Menasche y la artista plástica especializada en caballos, Noemí Blindd. Ellos y muchos otros artistas y artesanos le darán un marco especial a esta Expo Mix que, a través de sus ediciones, ha sabido construir una gran comunidad. Habrá venta de insumos para artistas y artesanos. Será en el Hotel Intersur, Brasil 780 de la ciudad de Buenos Aires.

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El arte de la luthería

2026-05-13 00:00:00

Entrevista auspiciada por:

Apasionado por la música brasileña, Gabriel Troncoso construye pandeiros y cavaquinhos, entre otros instrumentos.

¿Cuándo comenzó tu historia con la luthería? ¿Habías pasado previamente por otras disciplinas artísticas?

Podría decir que fue un proceso, me cuesta marcar una fecha precisa. Siendo muy fanático de la música brasileña, empecé a explorar y “toquetear” el instrumento que tocaba, el pandeiro, para encontrar sonidos particulares que me gustaran. Esas inquietudes me llevaron a anotarme en un curso de luthería en 2010, y ahí se me abrió un mundo maravilloso. Desde 2012 tengo el privilegio de trabajar y vivir del arte de la luthería. Con mi emprendimiento, Pandeirar, construyo pandeiros, cavaquinhos, entre otros instrumentos. Como mencioné, el camino que me llevó a encontrarme con este oficio fue estudiar música brasileña, especialmente los géneros choro y samba. Desde esa pasión surge todo lo demás.

¿Tuviste maestros influyentes que te iniciaron en este recorrido artístico?

Sí, mi maestro fue Amílcar Novas, luthier de guitarras y violines. Fue una persona muy generosa en mi carrera: no sólo compartió sus saberes, sino que también puso a disposición su taller y sus herramientas. Al día de hoy, aún sin su presencia, sigo trabajando en su espacio junto a otro compañero luthier de charangos y ronrocos, Jonathan Garabello. Podemos decir que seguimos dándole vida al espacio de Amílcar, con mucha música. Además, cada vez que tengo la posibilidad de viajar o participar en espacios como ferias de luthería, trato de conversar o concretar entrevistas con otros luthieres para nutrirme de sus conocimientos.

¿Condiciona o determina el tipo de instrumento la elección de los materiales?

Sin duda, la elección de los materiales es fundamental para la construcción de los instrumentos. Le dedico mucho tiempo a esta etapa del proceso. De ellos dependen las técnicas a emplear, la sonoridad, la estética, el peso y la durabilidad del instrumento, entre otras cosas. Además, me interesa saber de dónde provienen los materiales, cuál fue el recorrido que hicieron antes de llegar a mis manos y convertirse en un instrumento; es decir, conocer desde dónde comienza su vida...

¿Qué planes profesionales guían tu carrera artística?

Principalmente, seguir aprendiendo y explorando nuevas técnicas, así como avanzar en la construcción de otros instrumentos. También se me han abierto puertas para mostrar y vender mis instrumentos en distintos espacios de Brasil. Con el paso del tiempo, algunos de ellos fueron ejecutados por referentes de la música brasileña, y eso me está abriendo caminos tanto allí como en otras partes del mundo.

*METALES JULIO provee los metales para los instrumentos del artesano Gabriel Troncoso.

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Nueva exhibición permanente en el Museo de la Cárcova

2026-05-05 00:00:00

La inauguración será el próximo 9 de mayo y podrá visitarse de martes a domingos de 10 a 17 horas, con entrada gratuita.

La Universidad Nacional de las Artes (UNA) y el Museo de la Cárcova invitan a la reapertura del museo y de su exposición permanente, que fue renovada de manera integral.

Esta renovación involucra una actualización del recorrido con el objetivo de revalorizar el patrimonio de calcos escultóricos que distingue al Museo de la Cárcova, subrayando el interés que reviste su carácter de copias, y a su vez incorpora otros patrimonios que no se encontraban en exhibición, en un nuevo relato expositivo. Entre estas incorporaciones se incluyen grabados del gabinete de estampas, fotografías, moldes, calcos y otros objetos patrimoniales.

Una nueva narrativa curatorial pone en diálogo la historia del museo como ex Escuela Superior de Bellas Artes (ESBA) con los inicios de la educación artística estatal en la Argentina.

A partir de investigaciones recientes, nuevos textos de sala y una redistribución de las piezas en un diseño renovado, se cuenta, de modo accesible, la historia de la institución y su patrimonio a partir de preguntas y problemas que resuenan en el presente. Se pone en contexto el origen de la colección de calcos, sus condiciones de producción y circulación, los motivos de su adquisición por parte del Estado nacional a principios del siglo XX, sus usos didácticos, sus derroteros materiales y conceptuales. Asimismo, se repone en un registro sensible y testimonial parte del relato fundacional, la impronta que le dio su fundador Ernesto de la Cárcova y la forma en que es recordada y evocada por generaciones de artistas, como un “paraíso” o un “oasis”.

Este proyecto de renovación fue posible gracias al impulso inicial de la Fundación Williams, a través de su programa Ensayar Museos 2024, un concurso que incentiva el desarrollo de ideas novedosas y proyectos experimentales que generen impacto en los museos y sus comunidades, proporcionando a la vez nuevos aprendizajes para los profesionales del sector. El proyecto de renovación de la exposición permanente del Museo de la Cárcova fue seleccionado en primer lugar en la categoría Nueva Exhibición.

Asimismo, fue fundamental el apoyo de las autoridades de la Universidad, a cargo de la rectora Sandra Torlucci, el trabajo y participación activa de las diversas áreas de la UNA, así como de todas y cada una de las áreas y equipos técnicos del museo que estuvieron a cargo de realizar la producción de la nueva exposición, reacondicionar las salas, realizar el movimiento de grandes piezas, restaurar y poner en condiciones las nuevas piezas patrimoniales en su diversidad de materiales, construir nuevos dispositivos de exhibición, realizar el registro y comunicación del proyecto, planificar y desarrollar nuevos guiones, nuevas actividades y estrategias para compartir de manera accesible la nueva propuesta con los diversos públicos, y coordinar las distintas acciones de este proceso que se inició hace más de un año sorteando numerosos desafíos.

El desarrollo del nuevo guión curatorial estuvo a cargo de las autoridades del museo, su directora Luciana Delfabro, coordinadora general Cecilia Pitrola, directora de gestión institucional Patricia Moreira, y de Milena Gallipoli, responsable del área de investigación especializada en calcos. Contó además con la colaboración especial y asesoría de Feda Baeza, Marisa Baldasarre y Sergio Raimondi.

La renovación busca ampliar la mirada sobre las colecciones, fortaleciendo su dimensión pedagógica, histórica y cultural, y promoviendo un acercamiento más inclusivo a los diversos públicos.

En este sentido, la actualización de la propuesta expositiva del museo consolida el compromiso con la difusión del patrimonio artístico y con la construcción de nuevos relatos en torno a la educación artística en la Argentina.

“El proyecto de política pública con el que se fundaron la escuela y el museo sigue presente en las múltiples actividades que transforman cada día estas salas, los talleres y el patio en aulas dinámicas y abiertas a estudiantes y a toda la comunidad.”

La inauguración se realizará el sábado 9 de mayo de 2026 a las 14:30 horas. Será abierta al público y contará con actividades artísticas de distintos departamentos de la UNA. A partir del 10 de mayo el museo se podrá visitar en su horario habitual, de martes a domingos de 10 a 17 horas (feriados cerrado).

Este proyecto fue realizado con el subsidio Ensayar Museos de la Fundación Williams fundacionwilliams.org.ar

Crédito fotográfico: Guillermo Ueno

Programación completa en museodelacarcova.una.edu.ar