Salón de Artes Visuales

2026-09-08 00:00:00

La Secretaría de Cultura de la provincia de La Pampa abrió la convocatoria para participar del Salón de Artes Visuales, Sección Artes del Fuego, Edición 2026.

La convocatoria es nacional y cada artista podrá participar con una (1) sola obra. La temática será libre.

Cronograma:
1. Recepción de postulaciones: Desde el 21 de Agosto al 30 de Septiembre.
2. Selección de carpetas: Del 1 al 4 de Octubre.
3. Recepción de obras seleccionadas: Desde el 5 al 21 de Octubre.
4. Reunión del Jurado de Premiación: 23 de Octubre.
5. Inauguración del Salón: 30 de Octubre.
6. Fecha de clausura del Salón: 6 de Diciembre.

Formulario de Inscripción: https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSdQ-8bRNXEq4sLONJ3dGFdQ4dfYshQ6UND3Nw7V51w3cB_lDA/viewform
Reglamento: https://drive.google.com/file/d/1Npa_972NhGcYtYZ71F-s2XPeqUqPRvHP/view

Nacido y criado como orfebre

2026-09-10 00:00:00

Desde su taller en la Patagonia, Juan Cúneo ejerce la orfebrería con el firme propósito de perfeccionarse con creatividad, visión y constancia.

¿Qué disparadores o experiencias personales te iniciaron en la vocación artística?

En mi caso fue un proceso sumamente natural. Nací y me crié dentro del taller: Mis padres son orfebres, así que para mí las herramientas, el metal y el fuego eran parte del paisaje cotidiano de la casa.

El gran quiebre se dió a los 17 años: La escuela no era mi camino y decidí dejarla. Descubrí que mi verdadera vocación y el lugar donde me sentía pleno era el taller, y a partir de ese momento me lo tomé con la responsabilidad de un trabajo de vida. Empecé ayudando a mis padres y al poco tiempo ya estaba elaborando mis propias piezas, hasta que a los 18 o 19 años ya contaba con mi propio puesto y mi propia producción en la feria de Puerto Madryn.

¿Tuviste grandes referentes en tu trayectoria como orfebre?

Mis primeros referentes indiscutibles fueron mis padres, quienes me transmitieron la pasión por el oficio y me dieron la base. Pero el gran salto profesional y técnico lo dí gracias a mi maestro, Emilio Patarca. Lo conocí aquí en Puerto Madryn cuando vino a dictar un pequeño taller que me abrió la cabeza; descubrí lo que era la orfebrería profesional con sus técnicas, su historia y sus diferentes estilos. Me entusiasmé tanto que decidí trasladarme a Buenos Aires a estudiar en su escuela, que hacía poco tiempo había abierto.

Allá se dió una relación muy valiosa porque me terminó adoptando de alguna manera como a uno de sus alumnos principales. Lo habitual era asistir dos horas, una vez por semana: Yo asistía tres veces por semana en doble turno. Aproveché cada hora posible durante los cinco años que residí allá. Fue una experiencia espectacular donde aprendí técnicas tradicionales, dibujo e historia del arte.

En 2016 regresé a Madryn con todo ese bagaje, agrandamos el taller e incorporamos nuevas herramientas basadas en lo aprendido. Esa formación me permitió, desde hace unos cuatro años, dar un vuelco definitivo: Dejé las ferias para volcarme exclusivamente a las redes sociales, trabajando a pedido con piezas personalizadas, complejas y creativas. Hoy profeso y disfruto plenamente de ese proceso: Realizar trabajos de alta calidad donde puedo volcar toda mi experiencia.

¿Qué piezas preferís como forma de expresión de acuerdo a tu formación artística?

A lo largo de mi trayectoria la producción fue mutando, pero hoy en día la pieza que me define y a la que me dedico casi exclusivamente es el mate, siempre acompañado por supuesto de sus bombillas. Llevo 17 años en este oficio —exactamente la mitad de mi vida— y considero que lo más difícil en la carrera de un artesano es encontrar un estilo propio y una pieza por la cual la gente te reconozca. Siento que, finalmente, lo he logrado.

Mi trabajo se centra en un formato muy específico: Mates de calabazas seleccionadas, grandes y de pared gruesa, con la boca armada al estilo "torpedo". Esta estructura me funciona como un lienzo en blanco que me permite desarrollar cualquier tipo de diseño personalizado en metal.

Gracias al alcance global de las redes sociales, hoy me encargan piezas desde distintas partes del mundo. El proceso es muy enriquecedor: Se genera un ida y vuelta con el cliente, quien me comparte sus historias, paisajes, símbolos o elementos que lo representan. Muchas veces son motivos que, en un principio, parecería que no tienen lógica estética dentro de la orfebrería tradicional. Ahí radica mi mayor desafío creativo: Asimilar esa información, volcarla en un boceto, corregirla junto a ellos y luego cincelarla en el metal. Lograr que ideas tan diversas convivan armónicamente y ver la sorpresa, o incluso la emoción de los clientes al recibir el resultado final, es una de las satisfacciones más grandes de mi profesión.

¿La actividad docente, qué aporta a tu obra?

Desde hace tres años dicto un seminario de especialización en la técnica de cincelado y procesos especiales dentro de la carrera de Metal de la Escuela Municipal de Artesanías de Trelew. Es un espacio muy significativo para mí, ya que la carrera troncal de tres años la dictan mis padres: El primer año está a cargo de mi madre, y el segundo y tercero de mi padre.

En mi caso, asisto los sábados por la mañana para trabajar con un cupo reducido de alumnos, debido a la especificidad de las herramientas y el espacio físico. Para mí, la docencia es, ante todo, una responsabilidad y un acto de gratitud. Tuve el enorme privilegio de crecer en un taller familiar y, más tarde, de recibir la generosidad absoluta de un referente internacional como Emilio Patarca, quien me transmitió todo su conocimiento sin guardarse nada. Siento que sería egoísta no dar continuidad a ese legado; la mayor satisfacción de un maestro es ver que sus alumnos siguen transmitiendo el oficio.

Además, la orfebrería tradicional es una disciplina que lamentablemente se va perdiendo, y en Argentina existen muy pocas escuelas dedicadas a su enseñanza. Aportar a su preservación desde la Patagonia es fundamental. En lo personal, lo más gratificante de las clases es ser testigo de la sorpresa de los alumnos cuando descubren que son capaces de dominar el metal y lograr piezas o cincelados que jamás imaginaron hacer. Esa energía y esa puesta en valor del oficio me reconectan con la esencia de mi propio trabajo el resto de la semana en el taller.

¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato?

Mis planes para el futuro inmediato se centran en consolidar y profundizar el camino que vengo recorriendo. Me encuentro en un momento de contínuo crecimiento creativo y de expansión. Hoy en día, la tecnología, las redes sociales y herramientas como la inteligencia artificial —que incluso me permite sortear las barreras idiomáticas— me han abierto puertas que antes eran impensadas, permitiéndome exportar mis piezas a los lugares más diversos del mundo. Diseñar para clientes de diferentes culturas y países es un aprendizaje constante que nutre muchísimo mi obra.

Mantener esta dinámica implica un gran trabajo diario que va más allá de las horas que paso sentado en el taller; dedico mucho tiempo a documentar y filmar los procesos para compartirlos con mi comunidad de seguidores, mostrando el detrás de escena, el uso de las herramientas tradicionales y el nacimiento de cada pieza, algo que despierta muchísimo interés.

Mi meta es seguir perfeccionándome día a día. Siento que la orfebrería, cuando se encara con creatividad, visión y constancia, es un oficio que no tiene techo; las posibilidades de innovación y crecimiento son infinitas. Mi plan es continuar empujando esos límites desde mi taller en la Patagonia.

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Riña de pinceles

2026-08-31 00:00:00

Un espacio en el que diez artistas crean obras de pintura en vivo y el público vota para decidir quién gana.

Se trata de una noche de arte, música y encuentro. Al final de la competencia, las obras serán subastadas. Además, habrá una feria con varios emprendimientos. Será el próximo 12 de septiembre, a las 21 horas, en Quetren Club Cultural, Olazábal 1784 Barrancas de Belgrano, ciudad de Buenos Aires.

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Homenaje a Guiomar de Urgell

2026-08-27 00:00:00

La Asociación de Plateros y Plateras de Argentina homenajeará a Guiomar de Urgell. Será distinguida como Primera Socia Honoraria de la Asociación.

La Asociación de Plateros y Plateras de Argentina (APA) rendirá homenaje, este jueves 27 de agosto a las 18 horas, a Guiomar de Urgell. La distinguirá como "Primera Socia Honoraria" de la institución, en reconocimiento a su trayectoria y a su permanente aporte al conocimiento, la investigación y la difusión de la platería hispanoamericana y criolla.

Guiomar de Urgell es historiadora del arte, investigadora y docente. A lo largo de su trayectoria se desempeñó como directora del "Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco", asesora del "Museo Nacional de Bellas Artes" y docente e investigadora en el ámbito universitario. Es autora de trabajos fundamentales para la historia del arte argentino, entre ellos "Ángel Della Valle" y "El mate de plata".

Su vínculo con la platería argentina tiene una importancia particular. Desde su trabajo de investigación y desde la dirección del Museo Fernández Blanco, contribuyó a estudiar, documentar y difundir la historia de la platería hispanoamericana y criolla, acercando al conocimiento de nuevas generaciones las piezas, los saberes y los protagonistas de este oficio.

En 1988 publicó, junto con otros investigadores, "El mate de plata", una obra dedicada al estudio de uno de los objetos más representativos de la tradición rioplatense y que continúa siendo una referencia bibliográfica para el conocimiento de la platería.

Para la Asociación de Plateros y Plateras de Argentina, este reconocimiento tiene además un significado especial: Guiomar de Urgell acompañó a la Asociación desde sus comienzos y fue, desde siempre, una figura cercana y comprometida con quienes ejercen y estudian este oficio.

Por eso, la APA considera que distinguirla como su "Primera Socia Honoraria" es también una manera de reconocer a quienes, desde la investigación, la conservación y la difusión, han contribuido a que la historia de la platería argentina pueda ser conocida y valorada.

El acto se realizará con invitación y cupo limitado a la capacidad de la sala. Los socios y socias de APA que deseen participar deberán comunicarse previamente mediante mensaje directo a las redes sociales de la Asociación. Las reservas serán confirmadas por orden de recepción.

Para reservas desde Instagram: @apa.asoc.plater.arg

Profundo amor por crear

2026-09-03 00:00:00

Sobre papel, murales o bastidores, Lorena Fabiola García Silvestri pinta y enseña, guiada por su pasión.

¿Qué disparadores o experiencias personales te iniciaron en la vocación artística?

Mi nombre es Lorena Fabiola Garcia Silvestri soy oriunda de Salta capital. La verdad que nunca me puse a pensar cuándo ni cómo se despertó en mí la vocación artística, sólo sé que siempre me gustó y, cuando pude empezar a crear, sólo explayé mi arte en una simple hoja de cuaderno o con un pedacito de barro en el patio de casa. ¡Amaba crear! Y mis padres lo notaron. Impulsada por mi madre, inicié de manera más formal en un tallercito de arte infantil a mis 11 años. Mi primer cuadro, un óleo tamaño A4. De ahí en más, sólo seguí formándome.

Hice mi secundario en una escuela de bachillerato artístico y continué, en un terciario, el profesorado de artes visuales.

¿Tuviste grandes referentes en tu trayectoria como artista visual?

Sí, tuve grandes referentes del arte pictórico y gráfico. Mi primer referente fue un artista salteño, gran dibujante, al cual admiré mucho siempre y fue mi profesor. Así también conocí otros artistas salteños que me inspiraron a seguir en este difícil pero muy apasionante camino. Luego tomé algunos referentes nacionales, como artistas del muralismo y pintores de caballete, cuando empecé a viajar a otras provincias incluyendo, Buenos Aires. Y también influyeron artistas extranjeros de países como Perú, México, Italia, España. A muchos de ellos los conocí.

¿Qué piezas o soportes preferís como forma de expresión de acuerdo a tu formación artística?

Es difícil mostrar preferencia porque me gustan varias. El papel es uno, pero también me gusta muraliar, pintar en bastidor y la cerámica.

¿La actividad docente, qué aporta a tu obra?

Soy profesora de artes visuales y todo lo que enseño es en función de lo que amo hacer. Actualmente doy talleres de dibujo y pintura, como también de ceramica, en mi pequeño atelier en Salta. Enseñar agudiza la capacidad de ver más allá, y esto potencia la capacidad de crear y experimentar más sobre lo que una misma produce como obra.

¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato?

Mis planes para el futuro son viajar dictando cursos y seminarios, para seguir expandiendo lo que aprendí todo este tiempo, pero también llevar mis obras a lugares impensados. Y también abrir puertas a aquellas personas que fueron excluídas en el arte por no contar con los recursos necesarios o por tener alguna discapacidad.

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Un nuevo punto de encuentro para quienes trabajan con el metal

2026-08-24 00:00:00

METALES JULIO creó una nueva comunidad de artesanos y gente de oficio que trabajan con el metal.

Se trata de un espacio destinado a que publiquen sus obras, productos o servicios y sean contactados directamente, sin intermediarios. Registrarse es muy sencillo: Se debe crear una cuenta, con un correo electrónico y contraseña, y completar un perfil básico con nombre, DNI y datos de contacto.

A partir de allí, se puede publicar cada trabajo, obra, artesanía o servicio (ofrecido o buscado) como una publicación con título, rubro y descripción y, quien quiera contactarlos, podrá hacerlo por mensaje directo, dentro de la plataforma.

El link para ingresar y registrarse es www.comunidadmetalesjulio.com.ar

Cestería china con papel tratado

2026-08-03 00:00:00

La Margarita Casa Estudio es un espacio dedicado a la creación y enseñanza de la cestería china con papel tratado, una técnica que permite realizar piezas resistentes y de gran belleza a partir de un material simple y accesible.

Actualmente, el proyecto está enfocado en acercar esta técnica a personas de cualquier lugar mediante su Manual Digital de Cestería China con Papel Tratado, diseñado para aprender de manera autónoma, al propio ritmo y desde casa. El manual reúne explicaciones paso a paso, más de 150 fotografías y todos los conocimientos necesarios para iniciarse en esta apasionante técnica.

Además, en La Margarita Casa Estudio se diseñan y elaboran piezas artesanales exclusivas, realizadas íntegramente a mano.

Para conocer más sobre el manual o las creaciones de La Margarita, se puede visitar la tienda online.

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Crear sin convenciones

2026-07-17 00:00:00

Deslumbrado de niño por la figura de su tío pintando, Héctor Méndez se convirtió en un destacado ilustrador.

¿Qué disparadores o experiencias personales te iniciaron en la vocación artística?
Desde siempre me gustó dibujar y pintar. Me gustaba ver los dibujitos animados. Pero sobre todo, me gustó ver a mi tío dibujar en una ocasión, y quedé impactado.

¿Tuviste grandes referentes en tu trayectoria como artista visual?
Aunque a veces intenté copiar a los grandes artistas que me subyugaban, en realidad admiraba su talento y estilo considerando que debería hacer un gran entrenamiento y aprendizaje para dibujar o pintar así. No obstante, tenía en claro que todos tenían mucho talento natural. Y tengo como referencia los trabajos de Carlos Nine, Carlos Alonso, Diego Velázquez, Horacio Breccia, Luis Scafatti, Chichoni, Sabat, Andrés Cascioli, Monet, Joseph Zbukvic.

¿Qué piezas o soportes preferís como forma de expresión de acuerdo a tu formación artística?
Me siento cómodo trabajando con distintos papeles, ya que pinto mucho con acuarela y con pasteles. También me gusta la técnica de microfibras.

¿La actividad docente, qué aporta a tu obra?
A tomar las piezas a dibujar sin restringirse a los métodos convencionales. Más bien saber observar, sin atarse a lo acostumbrado con cada modelo. Tratar de ser expresivo, aún siendo figurativo y detallista.

¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato?
Me gusta la ilustración y quisiera trabajar para alguna editorial. Poder compartir mis conocimientos dando seminarios. Realizar series de obras y exponerlas.

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Interpretar la naturaleza en el metal

2026-08-19 00:00:00

Inspirado en la armonía, el movimiento y el equilibrio de la naturaleza, Hernán Yañez Cornejo crea piezas con identidad propia.

¿Desde pequeño se despertó en vos la vocación por la orfebrería? ¿Fue así o hubo otros disparadores?

Desde chico sentí atracción por el dibujo y por todo lo que implicara crear con las manos. Siempre me gustó observar las formas, los detalles y entender cómo estaba hecho aquello que llamaba mi atención. Con el tiempo, casi de casualidad, descubrí la orfebrería y encontré un oficio que reunía todo eso: El dibujo, el diseño, la técnica y el trabajo artesanal.

A medida que fuí aprendiendo, entendí que una pieza no comienza cuando uno funde la plata para hacer la chapa, sino mucho antes: En la observación, en el estudio y en el dibujo. Esa búsqueda es la que sigue motivándome hoy y, después de tantos años, sigo sintiendo que cada obra representa un nuevo desafío y una oportunidad para aprender algo nuevo.

¿Tuviste maestros o referentes en tu trayectoria artística?

Sí, tuve la suerte de dar los primeros pasos en la orfebrería con un gran maestro como Horacio Bertero, quien no sólo me transmitió técnicas del oficio, sino también el respeto por el trabajo artesanal y por sobretodo la vocación y amor por el oficio.

Después vino un camino muy personal de práctica, estudio y observación. Siempre sentí la necesidad de seguir dibujando, investigando y analizando, tanto la naturaleza, como las obras de otros grandes colegas. Creo que la técnica se construye con constancia, pero el verdadero desafío es desarrollar una mirada propia que permita transformar una idea en una pieza con identidad.

En tu obra se destacan las flores. ¿Las elegís como forma de expresión excluyente?

Más que las flores, diría que mi principal fuente de inspiración es la naturaleza. Me interesa su armonía, el movimiento de sus formas y ese equilibrio que parece simple, pero que encierra una enorme complejidad. Intento trasladar esa sensación de vida y movimiento a cada obra, combinando superficies lisas y cinceladas, luces y sombras, buscando que toda pieza transmita una cierta fluidez.

Las flores aparecen con frecuencia porque expresan muy bien ese lenguaje, pero no son un límite. No busco copiar la naturaleza; busco interpretar su armonía en el metal.

¿Qué aporta a tu obra la actividad docente?

Enseñar me hizo crecer mucho como orfebre. Cuando uno tiene que explicar una técnica también tiene que entender por qué hace las cosas de determinada manera. Eso obliga a seguir estudiando y a no dejar de aprender.

Eso mismo intento transmitir a mis alumnos: Una buena pieza no depende solamente de la técnica. El dibujo, el diseño y la observación forman parte del proceso desde el primer momento. La técnica es la herramienta que permite materializar una idea, pero esa idea necesita tiempo de estudio y de búsqueda para encontrar una identidad propia.

Lo lindo de la docencia es la reciprocidad constante con los alumnos, lo simultáneo de todo tipo de técnicas... Te mantiene alerta y en un contínuo aprendizaje y crecimiento.

¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato?

Quiero seguir creciendo como orfebre y seguir aprendiendo. Últimamente también estoy dedicándole tiempo al dibujo y a la pintura, porque siento que me ayudan a desarrollar la creatividad y la manera de observar.

A futuro me gustaría unir todo ese aprendizaje con la orfebrería e ir incorporando también la escultura. Lo veo como parte de un mismo camino. Cada disciplina aporta una mirada distinta, pero todas nacen del mismo lugar: La necesidad de crear y de seguir aprendiendo.

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Copia única

2026-07-08 00:00:00

El Museo de la Cárcova inauguró esta exposición que explora el valor de la reproducción a través de un recorrido que reúne ejemplares de algunas de las colecciones de calcos escultóricos más importantes del país.

Tres ejes estructuran el relato curatorial. El primero, Figuritas repetidas, se centra en la tensión entre repetición y unicidad a partir de la exhibición de múltiples ejemplares de un mismo original. El segundo aborda los modelos de enseñanza de la educación artística mediante la reunión de las tipologías habitualmente utilizadas para el aprendizaje del dibujo: Relieves ornamentales, ejemplos arquitectónicos, fragmentos anatómicos, entre otros. Finalmente, el tercer eje pone el foco en las prácticas de consumo de calcos, sus modos de comercialización y la adquisición privada de reducciones de originales de la estatuaria clásica. Copias de obras maestras como la Venus de Milo o la Victoria de Samotracia fueron objetos que habitaron museos, escuelas y también hogares, y establecieron vínculos afectivos con sus propietarios.

En palabras de la curadora Milena Gallipoli: “Pequeñas Venus están en nuestras casas como souvenirs; imágenes del David se viralizan en forma de memes; el arte contemporáneo las toma como motivo de ironía y apropiación, y hasta se exhiben en este museo en forma de calcos escultóricos en yeso. Las copias podrán ser múltiples, pero sus historias son únicas”.

En esta exhibición se presenta por primera vez una selección de piezas de este tipo pertenecientes a distintas instituciones, como el Colegio Nacional de Buenos Aires, la Asociación Estímulo de Bellas Artes y la escuela Manuel Belgrano, entre otras.

La curaduría de la exhibición está a cargo de Milena Gallipoli, Doctora en Historia por la EIDAES-UNSAM, Magíster en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano e investigadora especializada en colecciones de copias escultóricas y gestión patrimonial. Actualmente dirige el Área de Investigación del Museo de la Cárcova (UNA). Es autora de La victoria de las copias (2025) y Las rutas del yeso (2025).

Acompaña la exhibición un programa de visitas guiadas y recorridos temáticos a cargo de la curadora e invitados especiales, jornadas y actividades para infancias, diseñados para enriquecer la experiencia de los visitantes.

Podrá visitarse hasta el 18 de octubre, en Av. España 1701 Ciudad de Buenos Aires, de martes a domingos de 10 a 17 horas (feriados cerrado), con entrada gratuita.

Programación completa en museodelacarcova.una.edu.ar