El arte de la luthería

2026-05-13 00:00:00

Entrevista auspiciada por:

Apasionado por la música brasileña, Gabriel Troncoso construye pandeiros y cavaquinhos, entre otros instrumentos.

¿Cuándo comenzó tu historia con la luthería? ¿Habías pasado previamente por otras disciplinas artísticas?

Podría decir que fue un proceso, me cuesta marcar una fecha precisa. Siendo muy fanático de la música brasileña, empecé a explorar y “toquetear” el instrumento que tocaba, el pandeiro, para encontrar sonidos particulares que me gustaran. Esas inquietudes me llevaron a anotarme en un curso de luthería en 2010, y ahí se me abrió un mundo maravilloso. Desde 2012 tengo el privilegio de trabajar y vivir del arte de la luthería. Con mi emprendimiento, Pandeirar, construyo pandeiros, cavaquinhos, entre otros instrumentos. Como mencioné, el camino que me llevó a encontrarme con este oficio fue estudiar música brasileña, especialmente los géneros choro y samba. Desde esa pasión surge todo lo demás.

¿Tuviste maestros influyentes que te iniciaron en este recorrido artístico?

Sí, mi maestro fue Amílcar Novas, luthier de guitarras y violines. Fue una persona muy generosa en mi carrera: no sólo compartió sus saberes, sino que también puso a disposición su taller y sus herramientas. Al día de hoy, aún sin su presencia, sigo trabajando en su espacio junto a otro compañero luthier de charangos y ronrocos, Jonathan Garabello. Podemos decir que seguimos dándole vida al espacio de Amílcar, con mucha música. Además, cada vez que tengo la posibilidad de viajar o participar en espacios como ferias de luthería, trato de conversar o concretar entrevistas con otros luthieres para nutrirme de sus conocimientos.

¿Condiciona o determina el tipo de instrumento la elección de los materiales?

Sin duda, la elección de los materiales es fundamental para la construcción de los instrumentos. Le dedico mucho tiempo a esta etapa del proceso. De ellos dependen las técnicas a emplear, la sonoridad, la estética, el peso y la durabilidad del instrumento, entre otras cosas. Además, me interesa saber de dónde provienen los materiales, cuál fue el recorrido que hicieron antes de llegar a mis manos y convertirse en un instrumento; es decir, conocer desde dónde comienza su vida...

¿Qué planes profesionales guían tu carrera artística?

Principalmente, seguir aprendiendo y explorando nuevas técnicas, así como avanzar en la construcción de otros instrumentos. También se me han abierto puertas para mostrar y vender mis instrumentos en distintos espacios de Brasil. Con el paso del tiempo, algunos de ellos fueron ejecutados por referentes de la música brasileña, y eso me está abriendo caminos tanto allí como en otras partes del mundo.

*METALES JULIO provee los metales para los instrumentos del artesano Gabriel Troncoso.

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Nueva exhibición permanente en el Museo de la Cárcova

2026-05-05 00:00:00

La inauguración será el próximo 9 de mayo y podrá visitarse de martes a domingos de 10 a 17 horas, con entrada gratuita.

La Universidad Nacional de las Artes (UNA) y el Museo de la Cárcova invitan a la reapertura del museo y de su exposición permanente, que fue renovada de manera integral.

Esta renovación involucra una actualización del recorrido con el objetivo de revalorizar el patrimonio de calcos escultóricos que distingue al Museo de la Cárcova, subrayando el interés que reviste su carácter de copias, y a su vez incorpora otros patrimonios que no se encontraban en exhibición, en un nuevo relato expositivo. Entre estas incorporaciones se incluyen grabados del gabinete de estampas, fotografías, moldes, calcos y otros objetos patrimoniales.

Una nueva narrativa curatorial pone en diálogo la historia del museo como ex Escuela Superior de Bellas Artes (ESBA) con los inicios de la educación artística estatal en la Argentina.

A partir de investigaciones recientes, nuevos textos de sala y una redistribución de las piezas en un diseño renovado, se cuenta, de modo accesible, la historia de la institución y su patrimonio a partir de preguntas y problemas que resuenan en el presente. Se pone en contexto el origen de la colección de calcos, sus condiciones de producción y circulación, los motivos de su adquisición por parte del Estado nacional a principios del siglo XX, sus usos didácticos, sus derroteros materiales y conceptuales. Asimismo, se repone en un registro sensible y testimonial parte del relato fundacional, la impronta que le dio su fundador Ernesto de la Cárcova y la forma en que es recordada y evocada por generaciones de artistas, como un “paraíso” o un “oasis”.

Este proyecto de renovación fue posible gracias al impulso inicial de la Fundación Williams, a través de su programa Ensayar Museos 2024, un concurso que incentiva el desarrollo de ideas novedosas y proyectos experimentales que generen impacto en los museos y sus comunidades, proporcionando a la vez nuevos aprendizajes para los profesionales del sector. El proyecto de renovación de la exposición permanente del Museo de la Cárcova fue seleccionado en primer lugar en la categoría Nueva Exhibición.

Asimismo, fue fundamental el apoyo de las autoridades de la Universidad, a cargo de la rectora Sandra Torlucci, el trabajo y participación activa de las diversas áreas de la UNA, así como de todas y cada una de las áreas y equipos técnicos del museo que estuvieron a cargo de realizar la producción de la nueva exposición, reacondicionar las salas, realizar el movimiento de grandes piezas, restaurar y poner en condiciones las nuevas piezas patrimoniales en su diversidad de materiales, construir nuevos dispositivos de exhibición, realizar el registro y comunicación del proyecto, planificar y desarrollar nuevos guiones, nuevas actividades y estrategias para compartir de manera accesible la nueva propuesta con los diversos públicos, y coordinar las distintas acciones de este proceso que se inició hace más de un año sorteando numerosos desafíos.

El desarrollo del nuevo guión curatorial estuvo a cargo de las autoridades del museo, su directora Luciana Delfabro, coordinadora general Cecilia Pitrola, directora de gestión institucional Patricia Moreira, y de Milena Gallipoli, responsable del área de investigación especializada en calcos. Contó además con la colaboración especial y asesoría de Feda Baeza, Marisa Baldasarre y Sergio Raimondi.

La renovación busca ampliar la mirada sobre las colecciones, fortaleciendo su dimensión pedagógica, histórica y cultural, y promoviendo un acercamiento más inclusivo a los diversos públicos.

En este sentido, la actualización de la propuesta expositiva del museo consolida el compromiso con la difusión del patrimonio artístico y con la construcción de nuevos relatos en torno a la educación artística en la Argentina.

“El proyecto de política pública con el que se fundaron la escuela y el museo sigue presente en las múltiples actividades que transforman cada día estas salas, los talleres y el patio en aulas dinámicas y abiertas a estudiantes y a toda la comunidad.”

La inauguración se realizará el sábado 9 de mayo de 2026 a las 14:30 horas. Será abierta al público y contará con actividades artísticas de distintos departamentos de la UNA. A partir del 10 de mayo el museo se podrá visitar en su horario habitual, de martes a domingos de 10 a 17 horas (feriados cerrado).

Este proyecto fue realizado con el subsidio Ensayar Museos de la Fundación Williams fundacionwilliams.org.ar

Crédito fotográfico: Guillermo Ueno

Programación completa en museodelacarcova.una.edu.ar

La cestería como lenguaje propio

2026-04-29 00:00:00

Desde muy chico tuvo la inquietud por transformar materiales, por dar forma a algo que antes no existía. Y ese largo recorrido lo acercó a la cestería en papel.

¿Cuándo comenzó tu historia con la cestería? ¿Habías pasado previamente por otras disciplinas artísticas?

Más que pensar en un “cuándo”, para mí lo importante es el cómo. Mi acercamiento a la cestería nace de una búsqueda muy profunda y muy personal: La necesidad de crear con las manos.

Desde muy chico sentí ese impulso, esa inquietud por transformar materiales, por dar forma a algo que antes no existía. Probé distintos caminos, siempre de manera autodidacta, explorando materiales y técnicas que iban apareciendo en ese recorrido: Trabajé con caracoles, con fibrofácil, incursioné en el decoupage, en craquelados… Siempre guiado por esa necesidad interna de hacer, de construir, de experimentar con distintas texturas.

Pero fue en la cestería donde encontré algo que me atravesó de otra manera. Ese trabajo de punto a punto, de cruce a cruce, de ir edificando lentamente hasta que aparece una forma completa, íntegra…Ahí sentí que todo encajaba. Me permitió llevar un material tan simple como el papel —casi desde la nada— hacia piezas con presencia, con estructura y con carácter: Desde una bandeja pensada para el acto cotidiano y hermoso de servir, hasta canastos de mayor escala o incluso intervenciones en muebles. En la cestería encontré, finalmente, un lenguaje propio.

¿Tuviste maestros influyentes que te iniciaron en este recorrido artístico?

Tuve personas que fueron importantes en el inicio y a quienes valoro profundamente, porque siempre hay alguien que, de algún modo, abre una puerta. Pero también siento que mi recorrido estuvo muy marcado por la búsqueda personal.

Soy una persona muy autodidacta, y gran parte de lo que hoy hago nació de la exploración, de la práctica constante y de animarme a ir un poco más allá de lo aprendido. En ese camino de investigación, descubrí el trabajo de muchos artistas de Europa del Este —rusos, ucranianos, eslovacos— que compartían sus procesos y creaciones, especialmente a través de videos. Ellos fueron, sin dudas, una fuente muy importante de inspiración y aprendizaje para mí.

Poder observar sus técnicas, asombrarme con sus piezas y comprender sus formas de trabajo fue despertando en mí nuevas posibilidades. Y, de alguna manera, también sembró algo más profundo: El deseo de, con el tiempo, ocupar ese mismo lugar para otros.

En ese proceso, el material también fue un gran maestro. Aprendí a observarlo, a respetar sus tiempos, a entender sus posibilidades. Así fue como llegué a desarrollar mi trabajo en cestería con papel tratado, que hoy es el corazón de lo que hago.

Más que seguir un único camino marcado por otros, fui construyendo el mío, integrando lo aprendido y transformándolo en un lenguaje propio. Y hoy, desde ese lugar, también acompaño a otros en su propio recorrido, así como otros lo hicieron conmigo.

¿Condiciona o determina el tipo de obra la elección del material?

Definitivamente. El material no es sólo un medio, es parte activa del proceso creativo. En mi caso, trabajar con papel tratado no sólo define una técnica, sino también una manera de pensar y construir la pieza.

Es un material que, en su origen, es simple y hasta frágil, pero que a través del proceso se transforma completamente. Y esa transformación es, para mí, una de las cosas más potentes: Poder llevarlo desde ese estado inicial hacia algo firme, estructurado y duradero, con una estética que muchas veces sorprende.

El material propone, sugiere, pero también marca límites. Y es justamente en ese diálogo donde aparece la obra. Cada decisión —desde la tensión, el ritmo del tejido, hasta la forma final— está atravesada por lo que el material permite y también por lo que desafía.

A mí me interesa mucho ese equilibrio: Respetar la naturaleza del material, pero al mismo tiempo llevarlo un poco más allá. Explorar sus posibilidades hasta encontrar nuevas formas, nuevas estructuras, nuevos usos.

En ese sentido, sí… El material condiciona, pero también inspira. Y es en ese ida y vuelta donde cada pieza encuentra su identidad.

¿Qué motivos o imágenes te inspiran al momento de crear?

La naturaleza es, sin dudas, una de mis principales fuentes de inspiración. Me atraen mucho las formas orgánicas, los ritmos que aparecen de manera natural, las tramas que se repiten y generan equilibrio.

Pero también hay algo que me inspira profundamente y tiene que ver con el orden, la estructura, la armonía que se construye a partir de la repetición. En la cestería, ese cruce constante, ese patrón que se va desarrollando, genera una especie de lenguaje visual que me resulta muy potente.

Me interesa encontrar ese punto de equilibrio entre lo orgánico y lo estructurado. Que una pieza pueda tener presencia, carácter, pero al mismo tiempo transmitir calma, cierta serenidad en quien la observa o la usa.

También me inspira lo cotidiano: Pensar en objetos que acompañen momentos simples pero significativos, como servir, contener, ordenar. Que no sean solo piezas funcionales, sino que aporten belleza y sentido en el día a día.

En definitiva, lo que busco es crear objetos que dialoguen con el espacio y con las personas, que tengan alma, presencia… Y que inviten a ser habitados.

¿Qué planes profesionales guían tu carrera artística?

Mi camino hoy está guiado por dos grandes ejes: Seguir creando y, al mismo tiempo, compartir lo que hago.

A través de La Margarita - Casa Estudio, encontré un espacio donde no sólo desarrollo mis piezas, sino donde también puedo transmitir este oficio. Me interesa mucho enseñar desde un lugar cercano, acompañando procesos, viendo cómo cada persona va encontrando su propia forma de hacer.

En paralelo, estoy trabajando en llevar este conocimiento a más personas, desarrollando propuestas digitales y materiales de aprendizaje que permitan que la cestería con papel tratado pueda llegar a distintos lugares, sin perder la calidad ni el detalle que caracterizan mi trabajo. En ese sentido, la escritura ocupa un lugar muy importante para mí: Es otra forma de ordenar, profundizar y compartir. A través de manuales y contenidos paso a paso, busco transmitir con claridad cada proceso, acompañando con imágenes y explicaciones que acerquen este oficio a quienes quizás no pueden acceder de manera presencial.

A futuro, mi intención es seguir profundizando en este lenguaje, explorando nuevas formas, nuevas escalas y también nuevas aplicaciones, incluso en diálogo con otros espacios y objetos.

Pero, por sobre todo, busco sostener algo esencial: El amor por el hacer, el cuidado en cada pieza y la posibilidad de que, a través de este oficio, otros también puedan descubrir el valor de crear con sus propias manos.

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La poética de la madera

2026-04-27 00:00:00

El reconocido escultor Rubén Rodríguez Aradas presentará su libro en la 50° Feria Internacional del Libro de Buenos Aires.

Será el 8 de mayo, a las 18 horas, en el Stand del Ente Cultural Patagonia, Pabellón Ocre del Predio La Rural de la ciudad de Buenos Aires.

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Popurrí artístico

2026-04-15 00:00:00

Luego de una extensa búsqueda espiritual y dejando atrás su trabajo de cocinero, Eki Besada logró finalmente vivir del arte.

¿Qué disparadores o experiencias personales te iniciaron en la vocación artística?

Fue una búsqueda constante de cómo quería vivir. Iba pasando de crisis en crisis, probando distintas cosas, incluso viajando, medio en una búsqueda espiritual. Después de un viaje bastante profundo, agarré unas acuarelas que me habían prestado y empecé a jugar. Me re copé, empecé a publicar lo que hacía y de a poco comenzaron a llegar pedidos. En ese momento trabajaba como cocinero y estaba esperando que me confirmaran un laburo. Cuando me llamaron, dije que no. Desde ahí no paré más de dedicarme directamente al arte.

¿Tuviste grandes referentes en tu trayectoria como artista visual?

La verdad es que tuve un inicio muy autodidacta, no había pasado por ninguna institución artística, así que mi forma de trabajar era bastante intuitiva. Cuando empecé a dedicarme más en serio, me metí en la historia del arte y me influenciaron muchos pintores clásicos como Rembrandt y Velázquez, además de una influencia conceptual del surrealismo. Hoy en día me moviliza mucho la obra de Guillermo Lorca y, como docente/artista, me motiva Ricardo Celma.

¿Qué piezas o soportes preferís como forma de expresión de acuerdo a tu formación artística?

El bastidor de lienzo me resulta muy cómodo, pero siempre voy a tener un amor especial por las hojas de acuarela.

¿La actividad docente, qué aporta a tu obra?

Es fundamental. Durante la pandemia daba muchas clases particulares y tuve que adaptarme a lo virtual. En ese momento pintaba a la par de cada alumno, algo que antes no hacía, y terminé pintando y dibujando muchísimo. Fue clave para seguir aprendiendo, profundizar en mis búsquedas creativas y sostener un compromiso más fuerte con mi obra personal.

¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato?

Por ahora, seguir dando clases en el taller, que es un lugar clave en mi desarrollo profesional. También quiero seguir pintando para armar una exposición más completa, y continuar con los murales, que junto con los tatuajes son una base importante. Es un popurrí artístico que, si bien a veces es agotador, también es muy divertido.

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Gracias a la música

2026-04-01 00:00:00

Retratista de rock enfocado en plasmar la expresión de las miradas, Tin destaca por el color y las texturas de sus obras.

Desde pequeño se despertó en vos la vocación por la ilustración? ¿Fue así o hubo otros disparadores?

¡Si! Desde chiquito ya me gustaba dibujar más que nada y, a los 9 ó 10 años conocí a Los Beatles y ahí se potenciaron mis ganas de dibujarlos en retratos a ellos, gracias a su música.

¿Tuviste maestros o referentes en tu trayectoria artística?

Referentes clásicos como Dalí, Van Gogh, Pollock llegaron ya en épocas de facultad (aunque recuerdo hacer algún retrato a lápiz de Vincent cuando era chico). Un artista referente a quien le debo “el empujón” de exponer y dedicarme algún retrato es Marcelo Gaggino (artista plástico y mosaiquista Tigrense).

En tu obra se destacan los murales de artistas del rock. ¿Los elegís como forma de expresión excluyente?

Sí, totalmente. No encuentro inspiración en pintar mi obra si no es por la música de los artistas que admiro. Aunque principalmente sea retratista y pueda pintar otras personas o temáticas, siempre conecto mejor escuchando la música de quien estoy pintando.

¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato?

Estoy feliz de tener mi nuevo atelier donde puedo tener todas mis obras, pintar y también dar mis clases de pintura artística. Lleva el nombre “Casa Galatea” en honor a mi hija Gala y a Salvador Dalí y su obra “Galatea de las esferas” (donde. pinta a su mujer, su musa inspiradora). Mientras tanto, estoy produciendo para hacer mi muestra individual que hablará de “mi vida a través de la música” en un pasaje de músicos artistas que me acompañan de toda mi vida (Beatles, Charly, Cerati, Rolling Stones, Elvis, etc).

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Hecha pedazos

2026-03-17 00:00:00

En el marco de la exhibición de su muestra, Mercedes Noriega dictará una actividad de escritura en Ventana Rodney.

La misma consistirá en seguir el trazo de una carta para generar nuevas correspondencias. Será en Rodney 354 barrio de Chacarita, el lunes 23 de marzo, a las 17 horas.

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Día del Artesano

2026-03-19 00:00:00

Conmemoramos este 19 de marzo, día tan especial para nuestra revista, con las emotivas palabras de dos reconocidos artesanos argentinos.

"Ser Artesano en madera me hace pensar que ella nació de la tierra, bebió el agua, respiró el aire y transformó los rayos del sol en celulosa, en madera nueva. De alguna forma somos alquimistas que transformamos tiempo y elementos en algo nuevo. Nuestras manos sabias develan aquello antiguo que estaba escondido ahí, en el tronco, en esas grietas, detrás de una sombra, en algún pliegue que se formó en algún invierno nevado. Eso es ser artesano, es comprender que somos parte de ese todo."

Rubén Rodríguez, escultor.

"Para mí ser Artesano o Maestro Artesano es una pasión en la cual uno deja muchas cosas de lado, especialmente lo material. En cada pieza que creamos, hay una parte nuestra. Se deja el corazón, el alma y la mente. No muchos lo ven así. Pero, en el recorrido de mi vida hasta ahora, he tenido más satisfacciónes que malos ratos. Cada pieza, en mi caso, es un desafio. Y cada una de ellas tiene distintas emociones. Ser Artesano es lo más grato que me pasó en la vida."

Néstor Lázaro, tallador y ebanista.

Mural colectivo a 50 años del golpe

2026-03-11 00:00:00

La Universidad Nacional de Quilmes junto al Centro Argentino de Arte Cerámico relanzan la convocatoria “No hay olvido. Mural colectivo a 50 años del Golpe Cívico Militar”.

Se trata de una iniciativa que invita a ceramistas de todo el país a formar parte de una obra conmemorativa en 2026. El proyecto propone reunir piezas de cerámica realizadas por artistas de distintas regiones para conformar un mural colectivo que se emplazará en la Universidad, al cumplirse cincuenta años del Golpe de Estado cívico-militar de 1976.

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Taller de arte en madera

2026-03-04 00:00:00

El reconocido escultor Rubén Rodriguez invita a participar del taller que dictará en El Bolsón.

Abordará la talla, la escultura y el buen uso de las herramientas para comprender la madera y su poética. No hace falta experiencia previa. Comenzará el próximo 15 de marzo, los días viernes de 14 a 17 horas. Por consultas o reservas, escribir a rubenboedo1959@gmail.com

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